Interior de la iglesia de la Colonia Güell de Gaudí. Traducción adaptada.

Interior de la cripta. De http://www.cyberspain.com/passion/jpgs/gaudi5.jpg

Quisiera compartir con Uds. Un artículo sumamente interesante acerca del interior de la cripta de la iglesia en Colonia Güell, del arquitecto Antoni Gaudí, cerca de Barcelona. Aquí aprendemos sobre la faz religiosa del famoso arquitecto y de cómo los muebles se diseñan con ciertas intenciones teórico-litúrgicas. El texto original está en inglés, publicado en el libro ¨Gaudí¨, de John Gill, página 120. Parragón Publishing Book, edición 2004.

Aquí, mi traducción adaptada:

Pareciera ser que los fieles que asisten a la iglesia de la Colonia Güell, tuvieran dificultad para concentrarse en la liturgia mientras están dentro de esta maravilla arquitectónica. Sin embargo, Gaudí incurrió en un artilugio para ayudarlos a concentrase en sus devociones. Algunos de los exquisitos muebles que él ha diseñado, los ha moldeado con la intención de que la congregación se mantuviera alerta, casi en el borde de los asientos. Como con el moldeado orgánico del banco de la serpiente en el parque, los bancos de la iglesia han sido diseñados especialmente para que los que se sientan se mantengan erectos y prestando atención. O tal vez, para verificar el poder de la iglesia y del sacerdote en mantener a la congregación interesada en los mismos viejos sermones. Con Gaudí es a veces imposible decir si está testeando a Dios, a él mismo, o cualquier otro en sus creencias. Estos interiores son posible evidencia del creciente interés de Gaudí en la fuerza de la naturaleza, de la existencia de una amenaza real a la idea de inmortalidad, ofrecida por la iglesia en la absoluta fe en Dios.

Fuente de agua bendita. De http://i63.photobucket.com/albums/h135/carloslorenzo/Holy_Water_Font-Shell_.jpg

Para la fachada trasera de la capilla, Gaudí decidió, tal vez por primera vez en su carrera, verdaderamente usar una pieza cruda de la naturaleza, una concha marina gigante en sí misma, no intentó copiarla, ni re-interpretarla de alguna manera. Sostenida por tres extravagantes soportes de hierro que se extienden desde una base y se aseguran a uno de los pilares de piedra, la fuente, realizada para contener agua bendita, parece un poco impráctica, pero a la vez, sublime.

Es esto acaso una broma de Gaudí para con Dios? Al bautizar a un inocente niño dentro de la Casa de Dios, Gaudí obliga al sacerdote a sumergirlo en una inmensa concha marina.

La utilización de pinturas de caracoles, sirenas y otras criaturas de las profundidades del mar, es un signo del ahogo del poder de la atracción sexual. Algo que, aparentemente, Gaudí ha resistido toda su vida, aunque no completamente, si recordamos que una vez le ofreció matrimonio a una mujer que lo rechazó para unirse a un convento. La mujer que Gaudí intentó conquistar, abandonó su vida sexual, y al hacerlo ella, él también, para seguir a Dios.

Para leer el texto original en inglés y ver más imágenes:

http://myriammahiques.blogspot.com/2010/02/testing-priestssermons-at-interior-of.html

¨Joan of Arc¨. Por Leonard Cohen

Joan of Arc. Imagen de http://www.art-value.org/html/ev/art/canvas_prints/1/1338.jpg

Las llamas seguían a Juana de Arco / mientras cruzaba cabalgando la oscuridad sin luna que hiciera brillar su armadura / sin hombre que la ayudara en noche tan humeante.

Ella dijo: «Estoy cansada de la guerra / quiero el trabajo que tenías antes: / un vestido de novia o algo blanco / que llevar sobre mi hinchado apetito» //

«Me alegra oírte hablar así / Te he visto cabalgar todos los días / y algo en mí anhela conquistar 

a tan fría y solitaria heroína» / «¿Y quién eres tú?», preguntó ella severamente / al que estaba bajo el humo / «¿Cómo? Yo soy el fuego», replicó él / «y amo tu soledad, amo tu orgullo» //

«Entonces, fuego, enfría tu cuerpo / voy a darte el mío para que lo abraces».

Y diciendo esto, subió dentro / para ser su única desposada / Y en lo profundo de su ardiente corazón / él tomó el polvo de Juana de Arco / y sobre los invitados a la boda / colgó las cenizas de su vestido de novia. 

"El factor de unión en América latina siempre ha sido la cultura"

William Ospina. Foto de http://www.escritores.org/imag/ospina.jpg

 Así se denomina el artículo publicado en lanacion.com el día de hoy, por Susana Reinoso. El autor de la frase del título es el poeta, ensayista y novelista colombiano William Ospina, quien ha sido designado para estar a cargo de los festejos del bicentenario en  Bogotá.

Ospina nació en Padua, Tolima, Colombia, el 2 de marzo de 1954. Vivió en Europa desde 1979 a 1981. Regresó a Colombia en 1981 y se radicó en Bogotá.

En 1982 ganó el Premio Nacional de Ensayo de la Universidad de Nariño, Pasto, con el ensayo Aurelio Arturo, la palabra del hombre. Desde 1988 a 1989 fue redactor en la edición dominical del diario La Prensa de Bogotá. (De Wikipedia.org)

En 1993 fundó, junto a otros profesionales, la Revista Número, publicación colombiana cuyo propósito es la promoción de la cultura. El 2 de agosto de 2009, ganó el Premio Internacional de Novela Rómulo Gallegos por su más reciente novela ¨El País de la Canela¨. Este premio, uno de los más importantes de la narrativa hispanoamericana, ha sido otorgado a otros escritores colombianos, como Gabriel García Márquez, Manuel Mejía Vallejo y Fernando Vallejo. También ha sido concedido a Mario Vargas Llosa.

En su entrevista con Reinoso, Willilam Ospina opina lo siguiente:

"Sin América latina no se entiende el mundo moderno desde hace cinco siglos. A pesar de lo que piensan los organismos internacionales y de la teoría del subdesarrollo impuesta por la Conquista, los latinoamericanos estamos a la vanguardia de algunas cosas. Los mayores esfuerzos por ser universales se han hecho desde América latina. Nosotros sabemos que las naciones son ficciones históricas y que nuestra sustancia es el mundo".

¿Desde qué lugar habría que plantear los debates del Bicentenario?

En Bogotá propuse ver el Bicentenario como punta de lanza de lo que han sido nuestras realizaciones sociales en los últimos dos siglos, para saber qué tanto hemos avanzado en el camino de construir una sociedad moderna. El Bicentenario tiene que servir para enfrentar los desafios del presente. Las generaciones que hicieron las independencias enfrentaron los problemas de su época: la libertad, la economía, la construcción de naciones, de instituciones, la creación de conciencia ciudadana.

La cultura es territorio más propicio que la política para promover estos debates?

La política por su propio impulso tiende a separar, así como la cultura por su propio impulso tiende a unir. Si los latinoamericanos pusieramos el énfasis en las tareas culturales, que son prioritarias porque en la base de la politica tiene que haber procesos culturales que nos ayuden a entendernos como ciudadanos, eso nos ayudaría con lo diverso. En América latina el factor de unión siempre ha sido la cultura. Cada vez que se presentaron grandes fenómenos culturales, éstos fueron simultáneos en todos los países. La generación ilustrada que precedió a la Independencia surgió espontáneamente en cada uno de nuestros paises. Lo propio ocurrió con la generación que hizo la Independencia, sin un acuerdo previo. Cuando Bolívar llegó al Perú ya estaba San Martín que venía de liberar Argentina y Chile. Después. llegó la generación admirable que hizo la independencia intelectual del continente. José Martí en Cuba, Manuel Gutiérrez Nájera en México, José Asunción Silva en Colombia, Juan Antonio Pérez Bonalde en Venezuela, José María Eguren en Perú, Leopoldo Lugones en la Argentina... por todas partes iba floreciendo gente con los mismos sueños, el mismo propósito de modernizar la lengua, de volvernos contemporáneos del mundo. Hasta llegar a la gran síntesis que fue el nicaragüense Rubén Darío, cónsul de Colombia en Buenos Aires. Una vez más, a mediados del siglo XX, ocurrió algo similar con el boom de la literatura latinoamericana. En todos los países surgió la misma voluntad de experimentación, la misma capacidad creadora. El fermento cultural está allí y los gobiernos lúcidos deberían darse cuenta que tiene una fuerza transformadora que cohesiona a los pueblos y los ayuda a dialogar, y a tener originalidad frente al mundo.

Para leer la entrevista por completo:

http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1238066&origen=NLCult

El Polémico Dalmiro Antonio Sáenz

Dalmiro Sáenz. De http://www.pagina12.com.ar/fotos/libros/20081019/notas_i/saenz.jpg

En 1947, un pastor beduino encontró accidentalmente unos viejos rollos dentro de vasijas, en las costas del Mar Muerto. Se supone que estos rollos llamados del ¨Qumrán¨ contienen otras versiones de la Biblia y la vida de Jesucristo. El hallazgo dió lugar a una serie de publicaciones no autorizadas de su contenido. La cuestionada novela histórica Cristo de Pie (1988) del escritor argentino Dalmiro Sáenz (n. 13 de junio, 1926)  y el Dr. Alberto Everardo Julio Cormillot (n. 31 de agosto, 1938), ha sido su obra más controversial. Porque lo presentan a Jesucristo con todas las debilidades del ser humano, involucrado con la comunidad esenia en su carácter de guerrillero defensor de su pueblo.

Básicamente, Jesús es un hombre casado, con hijos, que lucha, sufre y enseña. Todo un héroe revolucionario a los ojos de los autores.

El libro estuvo acompañado por un escándalo televisivo, que aún recuerdo con Sáenz discutiendo enardecido ante las cámaras de TV. El ¨Cuervo López´ en su blog, nos cuenta que ¨por las polémicas ridículas que generó con la Iglesia o por otras causas misteriosas, ¡vendió 15.000 ejemplares antes de salir a la venta! Una muestra clara de cómo sucesos extraliterarios ayudan a que la gente se acerque a un texto¨. Dejando de lado las opiniones religiosas, he leído el libro, y me resultó atrapante.

Dr. Alberto Cormillot. De http://sumemos.com.ar/gl/images/library/Image/Alberto_Cormillot.jpg

En el Diario de la República (San Luis, Argentina), sección El País, el 5 de Agosto de 2007, se publicó una entrevista al Dr. Alberto Cormillot donde explica su experiencia al escribir el libro con Dalmiro Sáenz.

— ¨Trabajar con Dalmiro es como tener un taller propio de literatura. Aprendí mucho en los dos años que trabajamos el libro.

Primero íbamos escribiendo muchas cosas juntos y después yo me fui largando y al final cuando la editorial nos apuraba para terminar cada uno escribía su parte.

Después la chequeábamos, las ajustábamos, las intercalábamos, las discutíamos y así se fue armando el libro. Fue una experiencia fenomenal. Tengo un aprecio invalorable, lo quiero muchísimo a Dalmiro y hacer el libro fue una de las cosas más apasionantes que me ha pasado en la vida.¨

A Dalmiro Sáenz se lo conoce por su personalidad mediática y altamente provocativa. Pero hay un aspecto, que como arquitecta me gustaría destacar, y es su pasión por restaurar casas antiguas.

En otra entrevista a Sáenz, publicada en OSPOCE.com.ar, por M.Q. (Lamentablemente no dicen el nombre al que corresponden esas siglas), se explica que la casona del escritor  es muy hermosa, con espacios luminosos, escaleras de mármol y hierro, viejos muebles enormes, baños revestidos en madera, antiguos rieles de quebracho y piedra.

Al respecto, Sáenz cuenta que varias veces trabajó restaurando casas con la ex modelo Chunchuna Villafañe; su comentario, expresa el divertido desenfado que lo caracteriza:

“Varias veces lo hice con Chunchuna Villafañe, que es arquitecta. No sé si sabrás que fue ella la que “inventó” Palermo Viejo. Todo ese estilo de restauración es de ella. Y yo, que no soy ni arquitecto, ni nada, también me animo. Corro con determinados riesgos, como es gastar de más por no tener ideas de ingeniería o arquitectura, pero no importa. Lo que hago es así: por ejemplo, veo un mueble que me gusta, y no acondiciono el mueble a la pared, al ambiente, sino que construye una pared para que enmarque a ese mueble. Los que me importan son los muebles, creo que son los que le dan sentido a una casa. Y a la gente le gusta, parece, porque me llaman. Te cuento, incluso el arquitecto Livingston trae a sus alumnos para que vean mi casa, y les dice: “Se dan cuenta que no hace falta ser arquitecto para hacer esto?”.

Referencias

Entrevista exclusiva al Dr. Alberto Cormillot. “La obesidad ataca al 50% de los argentinos”. En el Diario de la República. Sección El País. Por Alberto Trombetta. 5 de Agosto de 2007

http://www.grupopayne.com.ar/archivo/07/0708/070805/1-elpais.php

http://elcuervolopez.blogspot.com/2008/01/reflexiones-baratas-sobre-la-lectura-y.html

http://www.ospoce.com.ar/servicios/tc37nota04.asp

Aprendiendo Sobre Cocina Mientras leo a Stephen King

¨Fiddleheads¨ o brotes de helechos. De http://share.triangle.com/

Estoy leyendo para distraerme un poco una novela corta de Stephen King llamada ¨The Girl who Loved Tom Gordon¨ (La Niña que Amaba a Tom Gordon), y si bien he recibido las burlas de mi esposo por la sencilla selección, he de decirles que de todo se aprende, no sólo veo cómo se desarrolla una historia psicológica que transcurre completamente con un personaje, una niña perdida en un bosque, sino que he también aprendido sobre algunas plantas comestibles que ayudarían eventualmente a su supervivencia. Para lograr el suspenso, Stephen King sitúa a la pequeña en distintos lugares en un bosque gigante en Maine, EEUU, el paisaje va cambiando, desde el bosque al precipicio, a los arroyos, al pantano. En éste último es donde ella encuentra una isla de ¨fiddleheads¨ que ya ha probado anteriormente a instancias de su madre, y que, son apetitosos. Me preguntaba qué eran fiddleheads, y leo en Wikipedia que no son ni más ni menos que los brotes de ciertas especies de helecho, que son comestibles como cualquier vegetal de hoja. Para ello, hay que cortarlos bien jóvenes, desde su tallo emergente de la tierra y se cocinan, para quitarles el ácido shikimico (shikimic acid), -que también es contenido por el anís estrellado- base del Tamiflu. Estos ¨fiddleheads¨ se consumen en la cocina asiática y en algunos estados de USA. Por mi parte, sólo utilizo anís estrellado como ¨saborizante¨ en compotas caseras. No podría cortar un sólo brote de mis helechitos.

http://en.wikipedia.org/wiki/Fiddlehead

Hitler’s Last Lunch

Inside Hitler’s bunker. Picture from http://farm4.static.flickr.com/3048/2447772809_ca301da5a9.jpg

This is an excerpt from the book Adolph Hitler, written by one of his best known biographers, the American writer John Willard Toland (June 29, 1912- January 4, 2004). Toland wrote history in a straightforward narrative, with minimal analysis.

This is how he has described the last day of Hitler’s life, chapter “ Five Minutes Past Midnight”, Vol. II, p. 1000-1002. Take into account he was just married to Eva Braun:

John Willard Toland. From http://www.nndb.com/people/

“ By late morning of April 30 the Tiergarten was overrun by the Soviets and one advance unit was reported in the street next to the bunker. …During lunch with the two secretaries and the cook, he chatted as if it were merely another family circle gathering. He was self possessed and, if anything, quieter than usual. To Traudl it seemed to be “ a banquet of death under the cheerful mask of resignation and composure”.

“But it was no ordinary day and no sooner had the three ladies left than Hitler summoned them back, along with Bormann, the Goebbelses and several others. More stooped than ever, he slowly came out of his room with Eva, who was wearing the black dress that was his favorite; her hair was neatly combed. Hitler began shaking hands with everyone. He was pale and there were tears in his eyes. …The spell was broken somewhat when Eva Hitler, with a sad smile put an arm around her (Traudl). “Please at least try to get out of here”, she said. Her voice broke into a sob. “Then please greet Munich for me.”

Hitler took Gunsche aside and said that he and his wife were going to commit suicide. He wanted their bodies burned. “After my death,” he explained, “I don’t want to be put on exhibition in a Russian wax museum.”

….”The telephone rang. It was Gunsche again. “I need two hundred liters of gasoline immediately”, he said huskily. Kempka thought it was some kind of joke and wanted to know why he needed so much fuel……Kempka said the only gasoline left…was buried in the Tiergarten, which was under deadly fire….”I can’t wait a single hour. See what you can siphon out of the wrecked cars.”

Hitler was bidding his personal pilot for so many years an emotional farewell. As they clasped hands, Baur begged him to escape by plane to Argentina, to Japan, or to the Arab countries where his anti Semitism has made him such staunch friends. But the Fuhrer would not listen”….

“The Hitlers sat together on a couch in their suite. Behind them was the bare space where the portrait of Frederick had hung. Eva was the first to die –by poison. At about 3:30 P.M. Hitler picked up his 7.65 caliber Walther pistol…..On a console was a picture of his mother as a young woman. He put the pistol barrel to his right temple and pulled the trigger”.

Cortazar y el Surrealismo

Julio Cortázar. Imagen de http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/hablemos/cortazar.jpg

La principal característica de la narrativa fantástica de Julio Cortázar es la inclusión de personajes extraños, elementos insólitos, -humanos o animales- en situaciones cotidianas, en una constante contradicción entre lo racional y lo irracional, lo real y lo ficticio. Esta combinación paranormal, es la que nos ofrece el misterio que debe analizarse. La imaginación del lector deberá extraer la significación de esas figuras sugestivas. Porque para Cortázar, la condición humana es la de la eterna búsqueda.

El surrealismo ha significado para él, una liberación mental, para ello, incorporó muchos recursos expresivos de la escuela antirracional. Sin embargo, no se desconecta de la realidad en su acepción general, sino de la realidad contextual basada en criterios morales, políticos, históricos, científicos. Cortázar engloba en sus cuentos el campo onírico, las ensoñaciones, y las visiones utópicas.

Para él, el surrealismo no es una escuela determinada, ni una manera particular de escribir, sino un modo de enfrentar la rutina cotidiana, que según él, oprime y sofoca lo que hay de único en cada ser humano. Bella Josef sostiene que Cortázar se adscribió tanto al Surrealismo como al Existencialismo para fundar algo nuevo.

Un ejemplo muy conocido es ¨Historias de Cronopios y de Famas¨, donde distinguimos tres tipos de seres: los cronopios (personajes marginales como poetas y asociales); las famas (importantes defensores del orden establecido, dirigentes) y los ¨esperanza¨ (personajes que se dejan llevar tanto por los cronopios como por las famas).

En la entrevista que le hiciera Alfredo Barnechea en 1971, Cortázar, al respecto del surrealismo declara:

¨El surrealismo fue mi camino de Damasco, me arrancó de la sensiblería post-romántica de la Argentina de los años treinta, me enseñó a atacar la palabra, a batallar amorosa y críticamente con ella, a fiarme de lo absurdo y a rechazar la sensatez sistemática, a creer en una esquizofrenia creadora (no son los términos que se usaban entonces, pero los lectores de hoy comprenderán). Después vi anquilosarse poco a poco el surrealismo, convertirse en escuela, casi en Iglesia con André Breton como Papa. Yo, por muchas razones, no calzo con las iglesias. Pero el verdadero surrealismo es indestructible, es una actitud, un modo de conocer que se da diariamente de mil maneras que, por suerte, no son forzosamente literarias¨.

REFERENCIAS

 Del libro Peregrinos de la lengua (Alfaguara, 1998). Entrevista a Julio Cortázar.  Por Alfredo Barnechea. Lima 1971

http://www.clubcultura.com/clubliteratura/clubescritores/cortazar/barnechea.pdf

Luisa Valenzuela, Bella Jozef, Alain Sicard. Julio Cortázar desde tres perspectives. Universidad Nacional de México. 2002

Ray Bradbury: Distintas Maneras de Quemar Libros

10 de Mayo de 1933. Nazis quemando libros en Berlín. De http://brotherhoodofthieves.files.wordpress.com

En la novela de Ray Bradbury, Fahrenheit 451, el capitán Beatty describía cómo los libros se quemaban al principio en minorías, empezando por quitar un párrafo, luego arrancar una página, hasta que llegaba el día en que los libros se ¨vaciaban¨; en consecuencia, mentes y librerías se cerraban para siempre. Fahrenheit 451 es la temperatura en la cual un libro se prende fuego.

El famoso autor, nos cuenta que hay otras maneras de quemar lentamente los libros. Lo que intentaré traducir adaptado en su propio lenguaje.

La primera es la censura. En Fahrenheit 451, los editores carniceros de Ballantine Books le censuraron 75 secciones para evitar contaminar a los jóvenes. Para re-editar su cuento ¨The Fog Horn¨ para lectores de escuelas secundarias, el editor borró la referencia a la luz de un faro como ¨God-Light¨ (luz de Dios) y la de los animales marinos que sentían que allí residía ¨La Presencia¨. Otros editores de una antología de alumnos de secundaria, juntaron un volumen de 400 cuentos cortos. Y Bradbury se pregunta, ¿Cómo se hace para compactar 400 historias cortas de Twain, Irving, Poe, Maupassant y Vierce en un solo libro?.

Es muy sencillo. Se despelleja, se deshuesa, se quita la médula, se hiere, se funde, y se destruye. Cada adjetivo que contara, cada verbo que moviera, cada metáfora ¨que pesara más que un mosquito¨, cada sonrisa que hiciera apenas torcer la boca de un retardado, se iría. Cualquier síntoma que explicara la filosofía de 2 bits de un escritor de primera categoría, se perdería. Cada cuento, que fuera desgarrado, devorado, marcado en tinta de color, teñido en lavandina, se parecería a otro cuento. Por lo tanto, Twain se leería como Poe, quien a su vez se leería como Shakespeare, quien se leería como Dostoievsky, quien al final se asimilaría a Edgar Guest. Cada palabra de más de tres sílabas había sido rasurada. Cada imagen que demandara más que un instante de emoción, se había asesinado.

¿Cómo creen que Bradbury reaccionó ante lo dicho? Quemando el lote completo. Enviando cartas de rechazo a cada uno que le ofreciera algo así. Mandando a toda la asamblea de idiotas tan lejos que alcanzaran el infierno. Y el mundo está lleno de gente que va corriendo por ahí con fósforos.

Para que Ray me disculpe esta traducción que no refleja exactamente su tono divertido e irónico, voy a copiar un párrafo que expresa su disgusto, y entiendo debe haber sido el detonante de la creación de Fahrenheit 451.

¨The point is obvious. There is more than one way to burn a book. And the world is full of people running about with lit matches. Every minority, be it Baptist/Unitarian, Irish/Italian/Octogenarian/Zen/Buddhist, Zionist/Seventh-day Adventist, Women´s Lib/Republican, Mattachine/ Four Square Gospel feels it has the will, the right, the duty to douse the kerosene, light the fuse. Every dimwit editor who sees himself as the source of all dreary blanc-mange plain porridge unleavened literature, licks his guillotine and eyes the neck of any author who dares to speak above a whisper or write above a nursery rhyme¨.

Cristianos quemando libros de Harry Potter. De http://www.davejenkins.com/

 Referencia.

Fahrenheit 451. Edición Aniversario 50o. Páginas 176-177. The Random House Publishing Book, New York.

Artículo: El artista chino que encantó al mercado

Pintura de Qi Baishi

Artículo de la nacion.com, publicado el 26 de febrero, 2010. Noticias de Cultura.
http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1237296&origen=NLCult

LONDRES (EFE).- El artista chino Qi Baishi, fallecido en 1957, se convirtió en el nuevo fenómeno del mercado del arte, al ubicarse tercero por el valor de las ventas de sus obras en subastas en 2009, después de Picasso y Warhol.

Según un informe de la organización Art Price, que ayer difundió el diario The Times , el valor conjunto de las obras de Picasso subastadas el año pasado llegó a US$ 121 millones, y las de Warhol se vendieron por US$ 106 millones, mientras que Qi totalizó US$ 70 millones. Art Price elabora sus informes con los datos de 6000 casas de subastas de todo el mundo. Hasta el año pasado, el artista chino más cotizado en Occidente era Zhang Xiaogang, un creador contemporáneo que llegó al vigésimo segundo lugar de la lista de Art Price en 2007.

Qi es un artista muy conocido en China, hijo de campesinos y sin educación formal en el arte, famoso por sus imágenes de animales y su maestría en el grabado.

Pero, más allá de sus valores artísticos, su reconocimiento creciente en Occidente deja en evidencia la influencia que ha adquirido China en el mercado del arte, que la ha llevado a convertirse en el tercer mercado artístico en volumen, detrás de Londres y Nueva York. De hecho, en 2009, mientras las mayores casas de subastas de esas ciudades sufrían el impacto de la crisis económica, el mercado chino se revalorizó de manera extraordinaria. El año pasado, 130 chinos tenían fortunas superiores a los mil millones de dólares. Las obras de Qi figuran actualmente en cualquier colección china de arte que se precie y los coleccionistas occidentales, atentos a estas tendencias, empiezan a incluirlo.

El año pasado, se vendió un 73% más de obras de Qi en el mundo que en 2008, gracias sobre todo a una venta realizada en noviembre, en la que una serie de dibujos llamada Flores e insectos cambió de manos por unos US$ 12,4 millones. El récord para una obra de Qi en Occidente corresponde a Melocotones y petardos , pintada en 1952, que se remató en Sotheby´s de Nueva York por 1,3 millones.

El propio Picasso elogió en su momento a Qi, a quien calificó como "el pintor oriental más importante" e incluso aseguró que no se atrevía a viajar a China por miedo a encontrarse con él y que opacara su propio arte. Qi nació en el seno de una familia campesina de la provincia de Hunan, en China Central, y desde adolescente practicó la caligrafía, la pintura y la poesía.

Dickens at the Bull Hotel

Bull Hotel in Rochester. From http://www.infobritain.co.uk/Bull_Inn_Rochester.JPG

In 1880, an article on "Mr. Pick-wick and Nicholas Nickleby" in "Scribner's Monthly," written by Alfred Rimmer and illustrated by Charles A. Vanderhoof, pointed out that although the novelist had been dead ten years, yet a great deal of him survived in concrete form in London and elsewhere in England. The publication was enough to attract the attention of tourists on Dickens´inns. Since then, these buildings where Dickens was hosted, developed sentimental feelings and historical interest for his readers. Not all of them exist now, but the memories are kept alive.

Though we can imagine them in a romantic perspective, there is a letter from Dickens to John Forster, January 29, 1854 (reproduced in the section ¨Dickens´Comments¨ in his book Hard Times, from Norton and Company inc., New York edition 1966) that illustrates the author´s complaints about staying at the Bull Hotel in Rochester; he sees the brick building as the representation of his disgust for the  historical context .

¨I am afraid I shall not be able to get much here. Except the crowds at the street –corners reading the placards pro and con; and the cold absence of smoke from the mill-chimneys; there is very little in the streets to make the town remarkable. I am told that the people ¨sit at home and mope¨. The delegates with the money from the neighbouring places come in to-day to report the amounts they bring; and to-morrow the people are paid. When I have seen both these ceremonies I shall return. It is a nasty place (I thought it was a model town); and I am in the Bull Hotel, before which some time ago the people assembled supposing the masters to be here, and on demanding to have them out were remonstrated with by the landlady in person. I saw the account in an Italian paper, in which it was stated that ¨the populace then environed the Palazzo Bull, until the padrona of the Palazzo heroically appeared at one of the upper windows and addressed them!¨ One can hardly conceive anything less likely to be represented to an Italian mind by this description, than the old, grubby, smoky, mean, intensely formal red brick house with a narrow gateway and a dingy yard to which it applies¨.

REFERENCES

Charles Dickens. Hard Times. Norton and Company inc., New York edition 1966

http://www.oldandsold.com/articles25/hotels-19.shtml

Artículo: ¨Holanda Descubrió un Nuevo Van Gogh¨

Este es el ¨nuevo¨ Van Gogh de 1886 que pasó varias décadas en un depósito en Holanda. La nota fue publicada hoy en lanacion.com

http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1236902&origen=NLCult

AMSTERDAM (DPA).- Una obra del maestro Vincent van Gogh fue atribuida al artista holandés, tras pasar varias décadas en el depósito de un museo.

Se trata de una pintura de inspiración impresionista, de colores brillantes, que presenta grandes figuras humanas alrededor de un molino de viento del siglo XIX, titulada Le Blute-fin Mill .

"No caben dudas de que se trata un auténtico Van Gogh", aseguraron fuentes del Museo Van Gogh, de Amsterdam.

La obra, que fue realizada en 1886, cuando el pintor residía en París, formó parte de la colección particular de Dirk Hannema, antiguo director del museo Boyman van Beunigen, de Rotterdam.

Hannema compró el cuadro en una subasta en la capital francesa, en 1975. Aunque el propietario, ya fallecido, siempre dijo que se trataba de un Van Gogh, nadie le prestó atención y hasta se mofaron de él después de que atribuyó erróneamente una obra al pintor Vermeer en la década de 1930.

Hannema colgó el cuadro en su casa hasta su muerte, en 1984, cuando desapareció en el depósito del museo, sólo para resurgir brevemente en 1993 y en 2007.

Luego de que los expertos concluyeron que era obra del célebre artista holandés, este lienzo -de 55 por 38 centímetros- se expuso en el museo Fundatie, en la ciudad de Zwolle, en el este del país.

"La pintura es un poco atípica para Van Gogh por la cantidad de gente que aparece en él, pero también muy típica por el papel destacado del molino", dijo Ralph Keuning, director del museo Fundatie, que descubrió la obra en 2007, cuando se iniciaron los estudios que ahora dieron resultado positivo.

Orquídeas Afrodisíacas en Hamlet

Orquídea militar (Military Orchid), que debe su nombre a la apariencia de sus flores como pequeños soldados desplegando brazos y piernas con un casco.

La reputación de las orquídeas (del griego orchis, testículos) como afrodisíaco ha disminuido con los años. Actualmente se habla de su belleza, y a nadie se le ocurriría comer los tubérculos, aunque antiguamente se creía que eran la comida preferida de los sátiros mitológicos. Justamente en alusión a los tubérculos, los viejos botanistas las apodaron ¨Piedras (testículos) de Perros¨ (Dog´s Stones), ¨Testículos de soldados¨ (Souldier´s Cullions) ... La especie Satyrion Orchis era la que se creía más efectiva como afrodisíaco.

El nombre Orchis proviene del lascivo hijo del sátiro Patellanus y la ninfa Acolasia, quien presidía la fiestas en honor de Priapus, el dios de la fertilidad. En uno de los bacanales, el joven tomó violentamente a una de las sacerdotisas de Bacchus (Baco) y los allí presentes lo asesinaron y mutilaron su cuerpo en partes. En respuesta al ruego de Patellanus por su hijo, los dioses transformaron el cuerpo destruido en orquídeas.

Tapa del libro Paradisi in Sole Paradisus Terrestris (1629-bajada de Wikipedia.org), con ilustración del artista alemán Christopher Switzer, mostrando a Adán y Eva en el Paraíso. Es interesante señalar que el dibujo contiene detrás de Adán, cerca del río, a la oveja tártara vegetal (vegetable lamb of Tartary), planta mítica de Asia Central que se creía su fruto era una oveja. Para leer sobre la oveja vegetal clickee en http://theclubofcompulsivereaders.blogspot.com/2010/02/legend-of-vegetable-lamb-plant.html

El último de los herbalistas ingleses y uno de los primeros botanistas, John Parkinson (1567-1650), quien fuera apotecario de James I y botanista real de Charles I, más conocido por su libro Paradisi in Sole Paradisus Terrestris (1629), sostenía que las flores de las orquídeas eran tan afrodisíacas como las raíces. Citando a los antiguos herbalistas, decía además que si los hombres comían los tubérculos procrearían varones, si así lo hacían las mujeres, procrearían niñas. Nicholas Culpeper (1616-1654) explicaba que bajo el dominio de Venus, dichos preciados tubérculos producían un fuerte deseo sexual, que podía ser reprimido con las raíces secas.

Dactylorhiza incarnata Orchis palmata. De

http://www.animefiammeggianti.it/Orchis-incarnata.jpg

No es sorprendente entonces que Shakespeare en Hamlet, recordara las propiedades de la flor; cuando la reina relata la muerte de Ofelia ahogándose,  menciona a ¨the grosser names¨ y ¨dead men fingers¨, refiriéndose a las raíces de la Orchis Palmata. ¨Dead men fingers¨ (dedos de hombres muertos) harían referencia a la forma fálica de los tubérculos.

There is a willow grows aslant a brook, 

That shows his hoar leaves in the glassy stream; 

Therewith fantastic garlands did she make 

Of crow-flowers, nettles, daisies, and long purples 

That liberal shepherds give a grosser name, 

But our cold maids do dead men's fingers call them: 

There, on the pendent boughs her coronet weeds 

Clambering to hang, an envious sliver broke; 

When down her weedy trophies and herself 

Fell in the weeping brook. Her clothes spread wide; 

And, mermaid-like, awhile they bore her up: 

Which time she chanted snatches of old lauds; 

As one incapable of her own distress, 

Or like a creature native and indued 

Unto that element: but long it could not be 

Till that her garments, heavy with their drink, 

Pull'd the poor wretch from her melodious lay 

To muddy death.

Orchis Anatolica. De http://www.malawicichlidhomepage.com/greek/articlesgreek

Orchis Maculata. De http://luirig.altervista.org/cpm/albums/flora-batava2/flo-bat7-546-orchis-maculata.jpg

The Life Of Aesop (La Vida de Esopo)

Sculpture of Aesop. Image from http://www.avenuestosuccess.com/

The paragraphs below are reproduced from http://www.aesopfables.com/cgi/aesop1.cgi?1&LifeofAesop

Site that I recommend to Aesop’s readers.

¨The life and History of Aesop is involved, like that of Homer, the most famous of Greek poets, in much obscurity.  Sardis, the capital of Lydia; Samos, a Greek island; Mesembria, an ancient colony in Thrace; and Cotiaeum, the chief city of a province of Phrygia, contend for the distinction of being the birthplace of Aesop.  Although the honor thus claimed cannot be definitely assigned to any one of these places, yet there are a few incidents now generally accepted by scholars as established facts, relating to the birth, life, and death of Aesop.  He is, by an almost universal consent, allowed to have been born about the year 620 B.C., and to have been by birth a slave.  He was owned by two masters in succession, both inhabitants of Samos, Xanthus and Jadmon, the latter of whom gave him his liberty as a reward for his learning and wit.  One of the privileges of a freedman in the ancient republics of Greece, was the permission to take an active interest in public affairs; and Aesop, like the philosophers Phaedo, Menippus, and Epictetus, in later times, raised himself from the indignity of a servile condition to a position of high renown.  In his desire alike to instruct and to be instructed, he travelled through many countries, and among others came to Sardis, the capital of the famous king of Lydia, the great patron, in that day, of learning and of learned men. He met at the court of Croesus with Solon, Thales, and other sages, and is related so to have pleased his royal master, by the part he took in the conversations held with these philosophers, that he applied to him an expression which has since passed into a proverb, "The Phrygian has spoken better than all."  

Image from http://www.soundoflife.net/wp-content/uploads/2007/11/aesop.jpg

On the invitation of Croesus he fixed his residence at Sardis, and was employed by that monarch in various difficult and delicate affairs of State.  In his discharge of these commissions he visited the different petty republics of Greece.  At one time he is found in Corinth, and at another in Athens, endeavouring, by the narration of some of his wise fables, to reconcile the inhabitants of those cities to the administration of their respective rulers Periander and Pisistratus.  One of these ambassadorial missions, undertaken at the command of Croesus, was the occasion of his death.  Having been sent to Delphi with a large sum of gold for distribution among the citizens, he was so provoked at their covetousness that he refused to divide the money, and sent it back to his master.  The Delphians, enraged at this treatment, accused him of impiety, and, in spite of his sacred character as ambassador, executed him as a public criminal.  This cruel death of Aesop was not unavenged.  The

citizens of Delphi were visited with a series of calamities, until they made a public reparation of their crime; and, "The blood of Aesop" became a well- known adage, bearing witness to the truth that deeds of wrong would not pass unpunished.  Neither did the great fabulist lack posthumous honors; for a statue was erected to his memory at Athens, the work of Lysippus, one of the most famous of Greek sculptors.  Phaedrus thus immortalizes the event:

Aesopo ingentem statuam posuere Attici,

Servumque collocarunt aeterna in basi: 

Patere honoris scirent ut cuncti viam;

Nec generi tribui sed virtuti gloriam.

Recomendado: Crepe Cookery (Cocina de Crepes)

Este libro de Mabel Hoffman es uno de mis grandes hallazgos. En Amazon quedan unos pocos usados, a $19.09, edición 1979. Mi edición es de 1976, USA, 160 páginas, como pueden ver por las fotos, en excelente estado.

De la breve reseña a Mabel Hoffman, me he enterado que ganó el R.T. French Tastemaster Award, que sería como el ¨Oscar¨ de la cocina. No he encontrado una página web de Mabel, y no tengo más datos sobre ella que los de los libros, que presumo serán tan buenos como este de crepes.

Mabel Hoffman nos explica qué es un crepe y según ella, cada nación ha desarrollado su propia versión: la palacsinta húngara, el egg roll chino, los blintz judíos, los cannelloni italianos, los blini rusos, los krep griegos, los plättar escandinavos, y, la analogía que más me sorprendió (porque no le veo el parecido) son las enchiladas mexicanas.

La autora también se preocupa por mostrar una variedad de formas de doblados, todas muy interesantes, especialmente la que presento aquí que son como canastas. 

La variedad de recetas es espectacular, los presenta dulces, salados, con distintas carnes y distintas formas de cocción. Finalmente tiene las conversiones de pesos y medidas y un cuadro de especias.